直到美国摄影师威廉·埃格尔斯顿出现，才彻底扭转了这种偏见，被后人称作“现代彩色摄影之父”。
1965年，他认为第一张成功的彩色照片
他的镜头从不追什么宏大场面，拍的都是美国南部小镇里随处可见的东西：悬在天花板的灯泡、路边的加油站、闲置的三轮车、餐桌上喝剩半瓶的饮料、褪色的汽车和斑驳的广告牌。他总觉得，不管多普通的东西，都该被认真对待，没必要刻意找戏剧感，也不用美化场景，就安安静静把眼前的瞬间拍下来，平淡的画面里藏着的情绪和氛围，反而更有味道。
构图上他也不走传统路子，借鉴了快照的感觉，画面带着随手一拍的松弛感，没有刻意的黄金分割，也不追求完美平衡。但这份随性不是随便，每一处取景、光线、色块怎么摆，他都看得很仔细。他擅长抓色彩、线条、空间在一瞬间的微妙张力，让画面在纪实和抽象之间晃悠，你不用非得找什么明确的故事，光沉浸在色彩带来的感官体验里就够了。
1976年，纽约现代艺术博物馆给他办了个展，这是博物馆第一次为彩色摄影办大型个展，成了摄影史的分水岭。当时争议特别大，不少评论家骂这些“随手拍的彩色快照”根本不配叫艺术。但就是这次展览，正式让彩色摄影成了独立的艺术媒介，和黑白摄影有了同等的地位。
埃格尔斯顿的创作，其实是在教我们怎么看世界，他用色彩证明，摄影不只是记录现实，更是让我们重新看见那些被熟视无睹的日常。直到今天，他的创作理念还在影响着当代摄影、电影和视觉艺术。
